Esta crítica é baseada em uma exibição no Festival de Cinema de Sundance.
“Josephine”, de Beth de Araújo, que ganhou o Grande Prêmio do Júri em Sundance e o Prêmio do Público do festival, é tão assustadora quanto delicada. A história de uma menina de oito anos que testemunha uma violência sexual violenta e de seus pais que não sabem como ajudá-la a lidar com a situação, o enredo difícil do filme e sua abordagem estética crua e áspera criam alguns dos parâmetros mais difíceis para uma atriz infantil na memória recente. Mas a atuação jovem em seu centro é tão maravilhosa quanto o filme, que lentamente se desenvolve ao seu redor, resultando em um trem de carga de impacto emocional.
Certa manhã, em São Francisco, enquanto Josephine (Mason Reeves) e seu pai Damien (Channing Tatum) correm no Golden Gate Park, eles são brevemente separados e o aluno da segunda série observa à distância um misterioso agressor em uma camiseta verde (Philip Ettinger) domina e ataca uma corredora desavisada (Syra McCarthy). Num momento terrível, tanto a vítima como o perpetrador olham nos olhos da jovem antes que o ataque seja cancelado e o homem seja perseguido e preso. No entanto, nem Damien nem sua esposa Claire (Gemma Chan) conseguem decidir como explicar adequadamente a Josephine o que viu, deixando-a emocionalmente perdida à medida que fica cada vez mais confusa, desconfiada da autoridade e violenta com seus colegas de classe. Com o passar dos dias, ela até começa a imaginar o agressor nos cômodos ao seu redor – até mesmo na segurança de seu quarto.
A abordagem sincera e inabalável de De Araújo a este evento decorre de ter testemunhado tal ataque numa idade semelhante, dando a Josephine uma qualidade autobiográfica. Seus contornos são gradualmente formados pelos personagens pais e suas performances habilmente apresentadas, que emprestam dos tipos amplos de Tatum e Chan em busca de camadas inesperadas. Embora às vezes brincalhão, Damien é um pai amoroso que fica sem palavras, mas exige uma expressão rígida de Josephine enquanto tenta aceitar o evento e suas ramificações legais (a vítima se afasta, deixando Josephine como a única testemunha ocular). A comédia de Tatum muitas vezes faz uso de uma personalidade idiota e de garoto de fraternidade, e o filme de Araújo não é diferente, exceto que captura a difícil situação doméstica desse comportamento masculino na forma de um pai cuja solução para ajudar sua filha a entender o mundo é o silêncio estrito e aulas de autodefesa.
A graça de Chan, por outro lado, também influencia a abordagem de Claire de maneiras desagradáveis. Como dançarina e artista, ela busca maneiras de conversar com Josephine sobre esse trauma, mas cai em banalidades e não encontra como responder à filha quando ela inevitavelmente pergunta se ela já foi vítima de um ataque semelhante. Não existe uma idade perfeita prescrita para a educação sexual, muito menos para explicar as áreas cinzentas da sexualidade humana a um pré-púbere – os defensores do agressor afirmam que o encontro foi um não-consentimento consensual – e muito menos a definição de “estupro”. Certamente não existe um guia sobre o que fazer se o momento ideal para essa conversa for no passado, por motivos alheios ao controle dos pais. Mas, ao contrário de Claire e Damien, que recorrem às abordagens imperfeitas e cíclicas dos seus próprios pais para assuntos aparentemente tabus, Josephine tem a Internet à sua disposição, embora as explicações que encontra online apenas a confundam ainda mais.
Reeves, que Araújo descobriu em uma feira alguns meses antes das filmagens, traz um naturalismo chocante ao papel. Josephine é a “Jo” masculina para seu pai e a fofa “JoJo” para sua mãe, papéis que tanto a personagem quanto a atriz alternam sem esforço enquanto tentam encontrar uma sensação de estabilidade enquanto o chão é arrancado debaixo deles. O crescente desconforto de Josephine reflecte-se ousadamente na jovem recém-chegada, cujas crescentes inseguranças – tanto sobre a sexualidade humana como sobre a moralidade humana – invadem o seu humor sob a forma de frustrações silenciosas. Reeves os segura perto do peito até que finalmente transbordem. Ela é praticamente uma bomba-relógio; É uma ótima performance de estreia que você já viu.
Essas peças emocionais foram todas costuradas pela mão hábil e cuidadosa de Araújo, resultando em um filme com uma complexidade psicológica (cercada por temas de traumas sexuais infantis) ao nível de Pele Misteriosa de Gregg Araki. A visão do diretor de São Francisco contribui para a natureza imponente da história, entre suas ruas sinuosas e as linhas de energia que se cruzam e as vigas metálicas das pontes que parecem pressionar os personagens de cima. A câmera se move para frente e para trás no ponto de vista de Josephine, como se a jovem estivesse sendo puxada para fora de si mesma e depois forçada a voltar, uma chicotada emocional intensificada pelo uso do espaço. Na maior parte, de Araújo e a diretora de fotografia Greta Zozula nos colocam ao nível dos olhos, usando lentes telefoto para desfocar os detalhes do mundo adulto maior e mais imponente em tomadas ininterruptas que aumentam a pressão, como se o campo de visão de Josephine estivesse lentamente sendo envolto em névoa. A cor verde intromete-se cada vez mais no seu campo de visão e, finalmente, em momentos breves e imaginativos, os realizadores rompem com a abordagem desfocada acima mencionada – com lentes grande angulares que expandem o espaço e distorcem o movimento – à medida que Josephine começa a imaginar o agressor de camisa verde no seu quarto como um espectro de confusão a crescer na sua mente.
Ettinger interpreta esta versão imaginária do personagem com cuidado e cautela. Às vezes ele é uma presença imponente, mas também pode ser fantasmagórico e melancólico, quase compassivo. Ele levanta a questão do que seu encontro com Josephine no parque pode ter feito com ela, e como sua interpretação do evento – e o que levou a isso – também pode mudar com o tempo, quando seus pais não parecem entrar em contato com ela por tempo suficiente para confortá-la. Este momento de identificação primordial com o estuprador faz com que ela se volte para dentro e questione se ela mesma tem capacidade para o mal. O fato de ela começar a usar esmalte verde passa despercebido, mas é um dos muitos detalhes gritantes e imperdíveis do filme que podem fazer você se contorcer na cadeira.
O filme reúne amplas questões filosóficas a partir da perspectiva de uma criança, que – juntamente com a trilha sonora brilhantemente sussurrante e propulsiva de Miles Ross – acrescentam uma tendência arrepiante a momentos de simplicidade dramática. O foco está na magia de uma jovem atriz que nos guia através do desenvolvimento silencioso da história enquanto ela se perde em pensamentos e auto-aversão, e nos personagens adultos que estão emocionalmente despreparados para encarar seu olhar. Tudo isso se combina para fazer de Josephine uma das obras dramáticas mais poderosas e angustiantes a emergir da cena independente americana moderna.
