Quando cheguei ao Festival de Stratford, em Ontário, este ano, havia neve no chão e guirlandas nas portas.
No final de setembro.
Mas não foi por causa das geadas prematuras no Canadá e da exuberante alegria do feriado. Não, um filme de Natal foi rodado na bela cidade que apresenta cenas shakespearianas excepcionais, peças modernas e musicais a cerca de 90 minutos de Toronto.
“Feliz Natal!”, cumprimentou-me um garçom do restaurante. Ah, Canadá.
Nesta temporada extraordinariamente longa na instituição teatral de 72 anos, o público provavelmente verá alguns tumultos reais eventualmente.
O venerável renascimento do festival de “Annie” acontece até dezembro – uma das mais longas temporadas de primavera e verão de todos os tempos em Stratford. Então o sol vai sair amanhã, embora por menos horas.
Dirigida por Donna Feore, a rainha dos musicais de Stratford, a alegre produção, que vai até 14 de dezembro, atinge um equilíbrio vitorioso entre nostalgia e novidade.
As crianças de hoje continuam com saudades de Annie (uma ininterrupta Harper Rae Asch) e de sua vida difícil, mas não têm ideia de que alguma vez foi uma história em quadrinhos. Ou, por falar nisso, o que é uma série. Cada reavivamento tem de lidar com o facto de que o enredo da pobreza à riqueza, cada vez mais bizarro, é fundamentalmente bidimensional.
A versão simpática de Feore caminha de forma inteligente em um meio-termo confortável.
Os trajes e perucas, muitas vezes de desenho animado, são mais realistas e desgastados; cereja menor Starburst.
Ainda assim, não é tão sombrio quanto alguns revivals do show de Charles Strouse, Thomas Meehan e Martin Charnin foram. Como pode ser isso? Com personagens do tamanho de balões da Macy’s Parade, como a malvada Miss Hannigan – interpretada com amargura de última hora por Laura Condlin – Daddy Warbucks (mestre do disfarce, Dan Chameroy) e um deus ex machina na forma de Franklin Delano Roosevelt, você não pode tratar a “Annie” saudável assim.
Feore, que mostrou em “Billy Elliot” e “The Sound of Music” do festival que é uma mágica com crianças, levanta o ânimo com um conjunto sensacional de jovens atores órfãos. É como se você tivesse entrado em uma competição de ginástica cantando – Backflips: The Musical! As meninas também são aspirantes a comediantes.
É claro que existe um risco em apresentar “Annie” no avançado palco do Festival Theatre de Stratford. Os amantes de cães, perigosamente próximos da ação, vão querer correr e roubar os adoráveis filhotes peludos que interpretam a perdida Sandy.
A quinze minutos de caminhada, há outro casal de cachorros em “Dirty Rotten Scoundrels”, a comédia musical extremamente engraçada em exibição no Avon Theatre até 23 de novembro.
Só que eles são humanos: Lawrence Jameson e Freddy Benson, os vigaristas desleixados em duelo interpretados no filme por Michael Caine e Steve Martin.
Lawrence é um britânico sinuoso em um terno elegante usado pelo ator Jonathan Goad, que é um profissional em ser bonito e sombrio. E Freddy é o jovem arrivista que invade seu gramado. Eles tentam enganar a mesma mulher no sul da França.
Freddy geralmente é interpretado por Liam Tobin, mas vi seu substituto, Henry Firmston. Eu já tinha visto o ator uma vez no festival “Something Rotten” (que retorna no ano que vem) na temporada passada. Sua energia única e travessa – mais uma reprise de “Friends” do que “pisar, chutar, chutar, pular, chutar, mover” – realmente ilumina qualquer show do qual ele faz parte.
Batidas histéricas do compositor David Yazbek, como “Great Big Stuff” e “Ruprect”, fizeram meu abdômen parecer que acabou de fazer abdominais.
Os musicais apresentados no proscênio da Avon deram um passo à frente visualmente nos últimos anos. Isso ainda vale para “Dirty Rotten”, dirigido por Tracey Flye. A paisagem é básica e um pouco plana. Mas quando se trata de gargalhadas: grandes coisas.
Nesta temporada, o espetáculo naquele teatro foi entregue ao Sr. “Macbeth”, sedento de poder e com facas.
Na versão gigante gasosa de Robert Lepage da tragédia de Shakespeare, até 22 de novembro, você terá olhos de tritões e dedos de sapos, Motel Six e gangues de porcos.
Sim, o diretor – cujo trabalho o público de Nova York conhecerá no “Ring Cycle” do Met de 2010 – transformou Mackers, Lady M, Banquo e o resto em motociclistas sujos. Inferno MacAngels.
Esteticamente, é tão emocionante quanto qualquer peça que você verá na Broadway. Ultimamente, muito mais. Um enorme motel rodoviário gira com travessuras astutas – assassinatos sangrentos, strip-tease – que acontecem em vários quartos. Motocicletas rolam pelo palco. E espelhos bidirecionais são usados com efeitos misteriosos.
Porém, quando se trata de estruturas de poder e regras básicas para as facções em conflito, algo confuso surge dessa forma.
“Macbeth” é sempre uma tragédia complicada. Ambição, bruxaria e desafio à ordem natural (matar um rei) se fundem em um cara muito complicado. Jaquetas de couro e trapos confundem a situação mais do que contribuem com algo substancial. E o conceito de bruxas parece particularmente frívolo.
O senso de reinvenção de Lepage funcionou muito melhor quando ele transferiu a ação de “Corilanus” para uma reconhecível Washington DC, alguns anos atrás. O clima de suspense político de “House of Cards” deu ao público uma maneira de entrar na peça pela qual “Macbeth” particularmente não clama.
Dito isto: quando se trata de Macbeths e Lady Macbeths, você não pode fazer muito melhor do que Tom McCamus, com a voz de um locutor de rádio noturno e o olhar de um assassino brutal, e Lucy Peacock, cuja eletrificada Lady M deleita-se com a destruição.
Talvez ainda mais ambicioso do que aquela dupla de escalada tenha sido um dos ingressos mais quentes que vi – “Forgiveness”, uma nova peça emocionante e expansiva no Tom Patterson Theatre sobre a situação dos nipo-canadenses durante a Segunda Guerra Mundial que se estendeu por quatro décadas.
Tudo começa em 1968, com o filho de Mitsue trazendo para casa a mãe de sua namorada, Phyllis (Jacklyn Francis), e o pai, Ralph, para jantar. As ansiedades habituais em torno do primeiro encontro de namorados – o que fazer, o que vestir – são exacerbadas pela história traumática das “aluguéis”, que se desenrola dolorosamente à medida que regressamos à década de 1930.
Mitsue (Yoshie Bancroft, empático e maravilhoso) e sua família vivenciam o racismo em Vancouver e acabam em um campo de internamento após o ataque a Pearl Harbor. Enquanto isso, Ralph (Jeff Lillico, uma cápsula do tempo de carne e osso) luta no exterior pelo Canadá e se torna um dos prisioneiros de guerra do Japão.
No final, surge uma compreensão mútua afirmativa e profundamente comovente que sugere que uma oportunidade de cura está sempre disponível.
Baseado nas memórias de Mark Sakamoto, o dramaturgo Hiro Kanagawa às vezes sobrecarrega o diálogo com clichês e bordões. Mas no geral, “Forgiveness” é um feito impressionante. O vasto número de locais e eventos são habilmente entrelaçados e encenados com abrangência e intimidade por Stafford Arima.
O drama familiar e a longa passagem do tempo também impulsionam o espetáculo principal do festival na lista de 2025, “The Winter’s Tale”, de Shakespeare, dirigido por Antoni Cimolino.
O romance incrível exemplifica porque não sei como sair de Stratford, para onde vou há 18 anos. As atrações imperdíveis costumam ser estranhas – um “Conto de Inverno” ou um “Cimbelino” em vez de “Hamlet” ou “Romeu e Julieta”. E a companhia rotineiramente faz The Bard melhor do que qualquer teatro em Nova York que se aproxime, certamente incluindo as produções mais ou menos de Shakespeare in the Park do público ultimamente.
O Rei Leontes de Graham Abbey, com um elenco brilhante, está entre as melhores performances de Shakespeare que já vi em qualquer lugar. À medida que o gregário natural do ator jovial se desfaz para revelar o ciúme distorcido e infundado de seu personagem por sua esposa Hermione (Sara Topham) e seu melhor amigo Polixenes (André Sills), o público extasiado olha com desgosto e desgosto.
Suspeito que mais do que alguns se relacionam.
Leontes sozinho implode a vida dele mesmo, de sua esposa grávida e de seu pobre filho Mammillus por causa de um palpite de sangue quente.
O que é estranho e adorável – feio e justo, por assim dizer – em “The Winter’s Tale” é que grande parte da segunda metade, 16 anos depois daqueles horrores reais, é uma peça encantadora.
Há dança de sprites e alguns ótimos palhaços – o favorito Geraint Wyn Davies como Autolycus e o maluco Christo Graham como Young Shepard. Graham, aliás, é o Alfredo de “Ratatouille” da Pixar que ganha vida.
Não se deixe enganar completamente pela alegria. A cena final entre Hermione, Leontes e a excelente Paulina de Yanna McIntosh é mais comovente e comovente do que você já viu antes.
E então, justamente quando pensamos que Leontes teve uma segunda chance na velhice, Abbey e Cimolino nos lembram com veemência que algumas escolhas não podem ser desfeitas.
Este extraordinário “Conto de Inverno” é uma combinação de tragédia e euforia em mais de um aspecto.
Que trágico que já esteja fechado!
E que bom que foi filmado profissionalmente para lançamento nos cinemas e eventual streaming.
Enquanto isso, há muitos programas para ver antes do final da temporada – mesmo que você vá embora, seguido por uma nevasca.
